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lunes, 26 de diciembre de 2011

VAN GOGH: "LA NOCHE ESTRELLADA".



¿Alguna vez no habeis tenido la ocasión de ver un cielo estrellado?
¿Acaso no os habéis parado a contemplar tal acontecimiento tras observar su gran composición?
Yo, si, ;).

Van gogh es uno de los pintores postimpresionistas mas renombrados y uno de los precursores del arte contemporáneo.

El uso de colores violentos y el afán expresivo de su obra le llevaron a ir más allá del Impresionimo y a abrir un mundo de posibilidades a expresionistas y otros artistas.
Mientras las pinceladas sinuosas y rápidas del artista se trasformasn en estrellas del firmamento y en cipreses llenos de vitalidad, pinceladas rectas delimitadas por gruesas líneas negras conforman las casas del pueblo.

La palea cromática utilizada por Van Gogh en este lienzo no pretende ser fiel al modelo, sino trasmitir impresiones personales del autor en el momento de pintarlo. El verde de los cipreses y el amarillo de las luces celestes y de las ventanas mitigan la presencia del azul que todo lo invade.

Respecto a la composción, en primer plano aparecen dos cipreses: uno ,el mayor, se eleva hasta el límite superior del lienzo, y el otro, de dimensiones más reducidas, adquiere formas llameantes. El dinamismo vertical que se desprende de ambos también de la aguja de la iglesia del pueblo se contrapone al remolino horizontal de las estrellas.

Dos enormes espirales que se enroscan trasmiten su agitación al cielo intensamente azul. Once estrellas iluminan el firmamento, mientras una enigmática luna de color naranja se confunde con un astro mayor que el resto; probablemente el sol. Una brillante luz amarilla se extiende por todo el horizonte.

La ciudad, en primer plano, está trazada con líneas rectas y a partir de forms geométricas básicas (rectángulos, triángulos, cuadrados y pentágonos). Destaca el contraste entre la caracterización de la parte terrena y las curvas propias de la celeste. Ingluso las diminutivas luces de las casas son rectángulares y no redondas como las estrellas.

El resplandor de las estrellas ilumina artificualmente el cielo, lo que se ha interpretado como un símbolo de la última esperanza de salvación para un hombre sumido en la desesperación.

En esta obra, Van Gogh incorpora dos de sus motivos predilectos de la época: los cipreses, que empezarán a interesarle a partir de mediados de 1889, y que destacan por su marcado ímpetu ascensional; y las escenas nocturnas, que pintaba al aire libre, previsto de candiles alojados en el ala de su sombrero y alrededor del lienzo.

Espero que os haya gustado, sobre todo a aquellos que no tenemos casi nunca la oportunidad de ver cielos estrellados debeido a la gran contaminación que poseen las ciudades...

¡Un saludo muy grande!

Laura.









sábado, 24 de diciembre de 2011

El Jardín de las delicias


Hola a todos!!! 
Soy Dani, amigo de clase de nuestra experta del arte y con su permiso voy a escribir una entrada dedicada a una de las obras más conocidas del mundo del arte y que siempre me ha llamado muchísimo la atención, y no es para menos: se trata de 'El jardín de las delicias' (en holandés 'De tuin der lusten'), del pintor holandés Hieronymus Bosch, más conocido como El Bosco, que además se trata de una de las obras más conocidas del pintor, -si no la que más-.

Esta maravillosa y sugerente obra se trata de un tríptico, compuesto por dos tablas laterales y una central, cuyas dimensiones son 206x386 cm. Es una obra pintada al óleo.

No se sabe con exactitud la fecha en la que fue elaborada: algunos expertos nos comunican que El Bosco la concibió allá por 1480-90 y otros difieren, argumentando que fue en su etapa de madurez, a principios del siglo XVI. La que más peso tiene es la primera,e s decir, que se elaboró a finales del XV.

Se sabe también que fue comprada en una subasta por el monarca Felipe II, que la colocó en su dormitorio. Allí estuvo hasta que el monarca pereció.

Esta, es, en líneas generales, una pequeña historia.

En cuanto al análisis, analizaré una por una las tres tablas que componen el tríptico.

La obra está sumida en un caos total, donde todo está desordenado, sin orden claro.
Es una obra plagada de simbolismo, todo lo que hay en ella tiene una explicación, todo es simbólico y nos quiere transmitir algo

Cuando el tríptico está cerrado, podemos observar una escena de la creación del mundo, donde aparece el globo terráqueo, envuelto en una burbuja en escala de grises, sin Sol ni Luna, que podría representar al tercer día de la creación del mundo.





La tablilla central, representa al Jardín de las delicias; mide 220x195 cm. Esta panel se interpreta como un 'falso paraíso', donde los humanos han sucumbido al pecado de la lujuria y de la carne, rodeados de frutas que representan a esto mismo, a la lujuria. Aparecen también constreñidos por elementos extraños, viniendo a decir que el pecado los ha corrompido. Hay estanques con animales y criaturas extrañas, como fieras, pájaros gigantes y otras criaturas indescriptibles, similares a los de los bestiarios de la Edad Media. Las plantas son también muy extrañas, superando el tamaño normal.
 El estanque, además, está turbio.
No se distinguen del todo bien los hombres de las mujeres, tan solo por sus pechos y genitales, lo que vendría a aludir a que la humanidad está metida en el pecado.





La tablilla de la izquierda representa al Jardín del Edén. Mide 220x97 cm. Se la considera una antesala de lo que ocurriría en la tabla central.
En primer plano aparecen Dios, Adán y Eva. Dios le está mostrando a Adán a Eva. Junto a ellos se encuentra el Árbol del bien y del mal, con el Árbol de la Vida y la serpiente tentadora.
Más arriba, aparece un estanque con la fuente de la vida y con rocas y estructuras poco ortodoxas, plagado de criaturas extrañas, como lagartos de varias cabezas (parecen representar el pecado femenino), criaturas voladoras (parecen representar el pecado masculino) y una especie de 'prado' donde la aparente paz del Paraíso se ve interrumpida por peleas entre criaturas y fieras.
Junto al pequeño lago se encuentra una roca con forma humana que parece asemejarse al rostro del Diablo.


La tabla derecha representa al Infierno, donde han ido a parar todos los pecadores del Jardín de las delicias como condena por sus pecados. Sus dimensiones son similares a las del panel izquierdo.
Aparen estructuras y criaturas demoníacas, amorfas, terribles y opresivas. Contrasta el color rojo oscuro infernal con los colores azul y verde de los anteriores paneles, que representaban al Paraíso. Todos los pecadores están siendo torturados incluso engullidos por estas criaturas diabólicas.
Por la cantidad de instrumentos musicales que aparecen, parece se que El Bosco asociaba la música con el pecado, pues en aquella época se identificaba a la música y los bailes como una lujuria.
En la parte superior aparece una estructura en llamas.
En la parte central aparecen, representados de un modo cuanto menos, peculiar, lo que podrían ser los genitales masculinos (un cuchillo entre dos orejas) y los femeninos (la gaita encima de la criatura monstruosa de color beige). El rostro que aparece en esa criatura amorfa parece ser un autorretrato del artista.
Debajo aparece un lago congelado y una criatura con una caldera dorada en la cabeza y con rostro de águila que parece que podría ser el Diablo, devorando a un pecador.
En la parte inferior aparecen personajes atormentados por diablos y criaturas terroríficas.

En resumen, en esta tabla infernal aparecen algunos de los pecados capitales:

lujuria: las mujeres desnudas, la mujer con una jarra, un hombre que abraza a un cerdo con velo de monja...
soberbia: un diablo obliga a una mujer desnuda a mirarse en un espejo;
gula y pereza: en la parte inferior, donde aparece una especie de tablero y una mujer desnuda con una jarra.
avaricia: en el pozo donde el Diablo defeca a los que devora, hay personajes defecando oro;

Se cree que la intención que tenía el artista era moralizante, mediante duras caricaturas y críticas.

Como conclusión destaco que El Bosco trabajó con elementos, principalmente surrealistas y subjetivos, que no reaparecerían hasta el siglo XX, con la aparición de los vanguardismos y el nacimiento del surrealismo. Es decir, fue un visionario y un adelantado a su época.

Actualmente esta obra se encuentra en el Museo del Prado de Madrid.

Espero que os haya gustado!!!!
Feliz Navidad!!!!

lunes, 12 de diciembre de 2011

Festival de hielo y nieve en Harbin

Con  la llegada de las Navidades, creo que es hora de dedicarle una entrada a esta celebración, para ello, os mostraré el arte de crear esculturas sobre hielo y nieve a través de unos de los festivales muy famosos: Festival de hielo y nieve de Harbin.

Para comenzar, Harbin es una ciudad turística del norte de China, que posee  paisajes muy curiosos y atípicos. Es la mayor ciudad de categoría provincial de todo el país con un centro político, económico, cultural, científico y tecnológico, de comunicaciones y transporte del nordeste de China.

En invierno, realizan un festival en las afueras. En lugar de sufrir con el frío, los habitantes de Harbin lo celebran, con el festival anual de esculturas y competencias de nieve y hielo.
Estas maravillosas y sorprendente esculturas de nieve y hielo fueron hechas en el festival del 2003.
Las esculturas de hielo y nieve en Harbin surgen durante la dinastía de Manchu, pero el primer festival organizado comenzó en 1963.

Barco
Desde entonces, el festival ha crecido hasta convertirse en un evento masivo, atrayendo cada día a más gente. Las esculturas se han tornado más elaboradas y más artísticas con el tiempo; este oso y su osezno sólo son una pequeña parte de este bello mural de esculturas.

En hielo
La mayoría de las esculturas que aparecen en este festival de la nieve son de grupos competitivos.
Cada equipo comienza con un cubo de nieve compactada que aparentemente tiene una medida de tres metros por cada lado, y ahí ellos comienzan a tallar.

Es además un parque de diversiones, con múltiples atracciones, puestos de comida rápida y niños corriendo, a pesar del intenso frío.



El Festival de hielo y nieve en Harbin es sólo una exposición de arte de hielo, sino también, un acontecimiento cultural, donde artistas provenientes de Estados Unidos, Canadá, Japón, Singapur, Rusia, China, se reúnen para participar en competiciones de escultura.

Son cientos de artesanos que trabajan en los bloques de hielo que son transportados hasta allí por camiones y luego transformados en esculturas a base de sierra eléctricas. En el parque Zhaolin, el más tradicional de Harbin, la edición de éste año hace un homenaje al mundo de Disney, patrocinado por la propia empresa. Hay esculturas de varios personajes como el Pato Donald, Pluto y otros, un portal con el formato de las orejas de Mickey y heladas versiones de los castillos de Aladin y de la Cenicienta.


Espero que os haya gustado y disfrutéis de estas navidades junto a vuestra familia y amigos

¡¡¡Feliz Navidad y Año Nuevo!!!

Un enorme saludo.

Laura

viernes, 9 de diciembre de 2011

Belén (escena del nacimiento de Jesús)


¡¡Hola compañeros!! La entrada de hoy será creada por mi Laura Mercadé con permiso como siempre de nuestra experta de arte Laura Artiaga.

Con motivo de estas fechas me gustaría hablar sobre un tipo de arte distinto, los belenes de Navidad.

Un Belén es  la representación plástica del nacimiento de Jesucristo, que se suele exponer durante la Navidad en hogares, iglesias y muchos centros públicos, como escuelas, organismos oficiales, comercios, etc. La construcción y exhibición de belenes forma parte de la liturgia navideña en muchas partes del mundo, especialmente en la tradición católica.

La primera celebración navideña en la que se montó un belén para la conmemoración del nacimiento de Jesucristo fue en la Nochebuena de 1223, realizado por San Francisco de Asís, en una cueva próxima a la ermita de Greccio (Italia) utilizando nada más que animales el buey y la mula.

En muchos hogares la realización de un Belén es todo un reto, tardando en realizarlo meses, ya que, todos los años crean uno distinto. La creación del decorado comenzando desde lo más grande hasta lo más pequeño: montañas, el pesebre, rios, casas, árboles, animales, pastores, ... cuidando hasta el más mínimo detalle.




La creación de las figuras del Belén



En España existen numerosas asociaciones de belenistas, realizando concursos a los mejores belenes, conferencias y participando en la realización de belenes para el ayuntamiento. También participan en los congresos de belenistas.
Para los curiosos y que quieran informarse más sobre esta actividad, dejo el enlace de la página de la Asocieción de belenistas de Madrid.






¡¡Espero que os guste!!




martes, 29 de noviembre de 2011

EL TEMPLO DE DEBOD


El templo de Debod es un templo del antiguo Egipto localizado actualmente en Madrid (España). Está situado al oeste de la Plaza de España, junto al Paseo del Pintor Rosales, que al ser trasladado a España, se situó de manera que conservase aproximadamente la misma orientación que en su lugar de origen, de este a oeste.
Este templo se encontraba localizado a unos 16 kilómetros al Sur de Asuán, en territorio de la Baja Nubia, una tierra deseada por los egipcios por permitir el acceso a las minas de oro y diversas materias primas.

El templo de Debod formó parte de una ruta sagrada para los peregrinos que acudían hasta el gran centro religioso dedicado a la diosa Isis, en la isla de Filé. Pero en principio a quien se adoraba en Debod era al dios Amón. La construcción del templo la inició el rey Adijalamani de Meroe, hacia el 200- 180 a .C., quien levantó una capilla de pequeñas dimensiones dedicada a Amón, conocida como la "Capilla de los relieves". Posteriormente, tres reyes de la dinastía ptolemaica construyeron nuevas estancias alrededor del núcleo original hasta darle un aspecto más parecido al actual. Todas estas ampliaciones llevadas a cabo por los ptolomeos fueron orientando el culto de este santuario a venerar a Isis, tomando mayor relevancia frente a Amón. Después de ser anexionado Egipto al Imperio Romano, serán los emperadores Augusto, Tiberio y tal vez los Antoninos, los que culminaron la construcción y decoración del edificio. Construyeron el pronaos con una fachada dotada de una puerta y dos columnas a cada lado. Incluyeron relieves en la fachada original del Templo, y decoraron algunos muros interiores. Finalmente, entre el 535-537 d.C., Justiniano decreta el cierre de los templos egipcios, perdiéndose los conocimientos y el saber del Antiguo Egipto. El templo de Filé consagrado a la diosa Isis fue cerrado, siendo dedicado a San Esteban y asentándose una comunidad cristiana.

El templo de Debod fue construido en forma de capilla dedicada por el rey meroítico Adijalamani (h. 200-185 a.C.) al dios Amón de Debod y a la diosa Isis. Ubicado en el sur de Egipto, en la Baja Nubia -muy cerca de la primera catarata y del templo de Isis en Philae- su capilla, decorada con relieves, es uno de los pocos sitios en que se cita al rey Adijalamani. Aunque de pequeñas dimensiones, el templo ganó en grandiosidad con el paso del tiempo gracias a la construcción de nuevas estancias alrededor del núcleo original, fundamentalmente por Ptolomeo VI Filometor y Cleopatra II. Cuando el imperio romano anexiona Egipto, Augusto, Tiberio y posiblemente Adriano, emperadores romanos, finalizan la construcción y decoración del edificio. El cierre de los santuarios de Isis en Philae supone que el templo de Debod quede abandonado, ya en siglo VI d.C.

Si no habéis visitado este gran templo, os recomiendo que le hágais una visita ya que en Madrid no poseemos de grandes reliquias egipcias...



Espero que os haya gustado

¡Un saludo!

Laura


martes, 22 de noviembre de 2011

MITO DE EROS Y PSIQUE: ANTONIO CANOVA


Os presento la hermosa escultura  de Eros y Psique del escultor veneciano Antonio Canova, representante del neoclasicismo italiano. El modelo fue comenzado en 1787 y terminado en 1793.

Segun cuenta la leyenda, Psique (Psiquis, en griego alma) era princesa e hija del rey de Asia, quien una belleza que sobresalía del resto de cualquier ser mortal. Al hacerse mujer, era tan hermosa como la propia diosa Afrodita (Venus). Afrodita,   severa en los castigos para aquellos que atenponía su liderazgo sobre la belleza, se encolerizó y le ordenó a su hijo Eros que en forma de un monstruo horrible terminara con Psique.

Una vez casadas las hermanas de Psique, ella no lograba conseguir siquiera un pretendiente. Los hombres la veían tan hermosa que la admiraban como a una diosa, como a una mujer inalcanzable. Preocupado por la situación, su padre fue a consultar al Oráculo y Apolo, aunque griego, le dio la respuesta en lengua latina:

“...En una alta roca del monte deja a la doncella, pomposamente preparada para un tálamo de muerte; y no esperes descendencia salida de estirpe mortal, sino de un cruel, fiero y viperino monstruo; y éste, volando con sus plumas por el éter, todo lo inquieta y con fuego y hierro cada cosa abate, al que teme el mismo Júpiter, con el que se espantan las divinidades; del que se horrorizan las aguas de la tenebrosa Estigia...”.

El rey, entre llantos y lamentos, llevó a Psique al monte. Pero cuando la joven esperaba la aparición del monstruo que el destino le tenía reservado como esposo, un dulce Céfiro (viento del Oeste y uno de los más fieles mensajeros de los dioses) la transportó hasta un valle donde quedó dormida. Al despertar se encontró ante un palacio encantado en el que se fue adentrando, guiada por voces incorpóreas, para no descubrir sino belleza y opulencia.

Al llegar la noche, Psique notó  la presencia del hombre que le había anunciado el oráculo. Psique no podía verlo, pero no percibía deformidades en él, sino todo lo contrario: formas perfectamente proporcionadas y se entregó a él. Con las primeras luces del día, su esposo desapareció... Gozaron así de varias noches y antes de que la luz del día lo sorprendiera el supuesto monstruo se alejaba. Psique esperaba ansiosa la oscuridad aunqe tenía la comprensible curiosidad de conocer estéticamente a su esposo.

El tiempo pasaba y Psique echaba de menos a su familia. Pidió por tanto a su esposo que le permitiera ver a sus hermanas. Este terminó aceptándolo, haciéndole prometer que nunca intentaría verle el rostro. Todos repararon en que el aspecto de la joven era aún más radiante que antes de su partida. Sus hermanas, por envidia, la convencieron para que viera el rostro de su esposa. Ya, en el palacio dorado Psique intentó, persuadir a su esposo de que revelara su apariencia.

Esa noche, Psique esperó a que el esposo durmiera y encendió la lámpara. Su sorpresa fue descomunal al descubrir el bello rostro del mismo Eros compartiendo su cama. Absorta en su contemplación, Psique derramó una gota de aceite hirviendo en el hombro del bello amante, que se despertó sobresaltado y con profunda decepción, se marchó de su lado, recordándole su advertencia. Todo desapareció, Psique se quedó sola, arrepentida de su curiosidad y profundamente enamorada.


Después de algún tiempo de vagar en soledad, Psique fue al templo de Afrodita y le pidió ayuda. La Diosa se la negó por romper el corazón de su hijo, pero ante las súplicas de la joven decidió ponerla a prueba. Le encargó tres tareas que cumplió con éxito. Al realizar la cuarta y última, Afrodita le pidió que bajara al Hades, reino de los muertos, a pedirle a la Diosa Perséfone que le diera esencia de la inmortalidad para ungirse con ella. Perséfone se la dio en una cajita de oro, advirtiéndole que no la abriera de ninguna manera. Una vez más motivada por la curiosidad, Psique abrió la cajita y quedó sumida en un profundo sueño.

Eros, conmovido por el amor incondicional y la valentía de su amada, la despertó de un flechazo, y, pidiendo permiso a Zeus para permanecer juntos en el Olimpo, le dio de comer Ambrosía, con lo que le otorgó la inmortalidad.

jueves, 17 de noviembre de 2011

LA CATEDRAL DE NOTRE DAME

La catedral de Notre Dame de París (1163-1225) es el arquetipo de la catedral gótica


Es, sin ninguna duda, uno de los símbolos de la ciudad. Si bien no es la catedral más grande de Francia, es una de sus obras de arte gótico más remarcables.

La fachada presenta tres grandes portales. El Portal del Juicio Final, el más importante al centro, muestra esculturas representando la resurrección de los muertos, un ángel con una balanza pesando virtudes y pecados y demonios que se llevan las almas pecadoras, imágenes que sin duda habrán tenido gran peso en el inconsciente popular en la Edad Media. Los dos portales laterales fueron consagrados a la Virgen María y a Santa Ana, su madre.

 A unos 20 metros del suelo, una galería con 28 estatuas se levanta por encima de los portales. Cada estatua, de 3,5 metros de altura, representa los 28 reyes de Judea que precedieron la llegada de Cristo.




La edificación coincidió con un período de prosperidad y de creciente dominio de la ciudad, por lo cual la obra debía reflejar este poderío. Así, la edificación se realizó sin interrupciones por problemas económicos, aunque sólo se dio por concluida a mediados del siglo XIV, después de muchas modificaciones e intervenciones de diferentes arquitectos y artesanos.

Las turbulencias de la historia, el deterioro por el paso del tiempo y las nuevas tendencias arquitectónicas hicieron que la Catedral sufriese numerosas modificaciones y restauraciones.





 Aqui os dejo un fragmento de esta maravillosa historia de Victor hugo:






"Frollo, atraído por la bailarina, pide a su protegido Quasimodo que la rapte. Sin embargo, la intervención del capitán Febo impide la consumación del secuestro y lleva a Quasimodo a la condena del suplicio público.

Es azotado en la plaza, y recibe todo el odio y los insultos del pueblo, que lo detesta por su fealdad. Quasimodo pide agua:

–¡Agua! –repitió por tercera vez Quasimodo.

Entonces vio cómo se apartó el gentío. Una muchacha curiosamente ataviada salió de entre la gente. Iba acompañada de una cabrita blanca de cuernos dorados y llevaba una pandereta en la mano.

El ojo de Quasimodo centelleó. Era la bohemia a la que había intentado raptar la noche anterior, fechoría por la que comprendía vagamente que estaba sufriendo aquel castigo, lo que, por otra parte, no era cierto ni mucho menos, pues se le estaba juzgando por la desgracia de ser sordo y por haber sido juzgado por un sordo. Estaba seguro de que también ella había venido para vengarse y darle, como hacían los otros, su golpe correspondiente. […]

Ella, sin decir una sola palabra, se aproximó al reo, que se retorcía en vano para librarse de ella, y soltando una calabaza que a guisa de recipiente tenía atada a la cintura, la acercó muy despacio a los labios áridos del desdichado.

Entonces, de aquel ojo tan seco y encendido hasta entonces, se vio desprenderse una lágrima que fue lentamente deslizándose por aquel rostro deforme y contraído hacía ya mucho rato por la desesperación".
¡¡¡Un saludito!!!.

Laura.


Este gran monumento es modelo de la gran obra de Víctor Hugo quien escribió en 1831 su novela "Notre Dame de París". Situando los acontecimientos en la catedral durante la Edad Media, narra la historia de Quasimodo, el jorobado que se enamora de la bella gitana Esmeralda y sufre el hostigamiento de su tío Frolo. Su ilustración poética de la arquitectura de la catedral permitió a muchos descubrirla de una forma diferente.



Sobre el portal central se destaca el gran vitral circular de la roseta, de casi 10 metros de diámetro, uno de los elementos más notorios de la fachada. Sin embargo, este vitral no es el más grande de la catedral, ya que las fachadas norte y sur presentan vitrales de 13 metros de diámetro. Por encima de la roseta, una hilera de columnas y luego las dos torres con campanario completan la cara oeste.


domingo, 13 de noviembre de 2011

LA CIUDAD INUNDADA DE BOHONAL DE IBOR: AUGUSTOBRIGA Y SUS MÁRMOLES

Esta es una de las entradas dedicadas a mi pueblecito, Bohonal de Ibor, que a pesar de ser pequeño, esconde gran cantidad de secretos históricos, concretamente romanos.

Os voy a hablar de la antigua e inundada ciudad romana AUGUSTOBRIGA, la cual se encuentra bajo las aguas del Pantano de Valdecañas sobre el río Tajo en la provincia de Cáceres. El yacimiento era conocido desde antiguo por la monumentalidad de alguno de sus edificios, hecho que atrajo a numerosos investigadores desde mediados del siglo XVI, hasta su definitiva desaparición para el mundo de la investigación, una vez construido el pantano.



Augustobriga fue antiguo municipio romano situado en la margen del río Tajo. Se encontraba en la calzada romana que iba desde Emerita Augusta (Mérida) hasta Caesarobriga (Talavera de la Reina).


"Los Mármoles", columnata construida en el siglo II por los romanos y que fue trasladada piedra a piedra en 1963 con motivo de la inundación. La nueva ubicación de este monumento más emblemático de Augustobriga,  a pesar de estar realizado en granito local, la tradición recogía que brillaba a lo lejos como si fuera de mármol, debido al estuco con trozos de vidrio que recubría las estrías de los fustes de las columnas. En el detalle podemos observar que en la columnata las basas se asientan sobre soportes de forma trapezoidal, con tres estrías, y constan de dos toros y una escocia, pero sin plinto, también vemos los fustes de las columnas formados por tambores estriados, sobre los que descansan capiteles de un orden fantaseado del corinto.





Un saludo muy grande a mi pueblecito y si os gusta Roma, aqui tenéis un pequeño monumento de una ciudad inundada bajo las aguas del Río Tajo, en Cáceres, que  se encuntra en Bohonal de Ibor.

¡¡¡Espero que os haya gustado!!!

Laura.

Os dejo un video precioso sobre este gran monumento y mi pueblecito, Bohonal de Ibor:




La población se convirtió, en tiempos medievales, en Talavera la Vieja, hoy desaparecida al quedar sumergida por las aguas del embalse de Valdecañas (Cáceres) en 1963. Sus restos son visibles en tiempos de sequía. Sin embargo, se pueden contemplar junto a la carretera de Navalmoral de la Mata a Guadalupe (en Bohonal de Ibor) las ruinas de un antiguo templo, «los Mármoles», que sirvieron de modelo para reconstruir el de Diana de Mérida y tres columnas más, procedentes de otro templo que no se desmontó.

sábado, 5 de noviembre de 2011

PINTURA A CARBONCILLO

¿QUÉ ES EL CARBONCILLO?

Para esta siguiente entrada, voy hablaros un poco de una técnica de dibujo con la que me siento muy familiarizada y la que suelo utilizar en la mayoria de mis ratos libres a la hora de crear mis dibujos.

El  carboncillo se obtiene de otras maderas como el sauce, nogal, tilo o romero.

El carboncillo se utiliza para hacer dibujos de claroscuro y para esbozar la composición de una pintura. Es una herramienta útil para realizar bocetos y con la que te permite conseguir una gran gama de grises, desde un intenso negro aterciopelado hasta el gris más sutil. Frotando la barra en horizontal sobre el papel se consiguen superficies de mancha con textura que se pueden variar en intensidad y suavizar difuminándolas. Con dicha ténica se crean dibujos muy rápidos, de gran intensidad y complejidad.


Lo que más me llamó la atención de esta técnica es la gran libertad para crear los dibujos, es decir, es más suelto que el dibujo a lápiz y permite apoyar o rozar con las manos las partes dibujadas. Se suele utilizar para los primeros esbozos o bocetos de una composición mural o un cuadro. Permite trazos amplios y no se fija a la superficie, de manera que se pueden hacer correcciones muy fácilmente con solo golpear suavemente con un trapo para eliminar el dibujo.

Los trabajos al carboncillo son muy delicados y necesitan de recubrimientos fijadores. También se producen carboncillos en algunos colores distintos del negro, pero siempre en tonos oscuros.

Para daros un pequeño ejemplo de esta técnica os muestro a continuación algunos de mis bocetos o creaciones.

¡Espero que os gusten!

Un saludo.

Laura







domingo, 30 de octubre de 2011

Saturno devorando a un hijo




Con motivo de estas fiestas y con permiso de Laura voy hacer esta nueva entrada en el blog, siniestra, oscura y que os  pondra los pelos de ¡¡puuuuuntaaaa!!; por ello, voy hablar sobre el cuadro "Saturno devorando a un hijo".

Para conocer un poco la mitología de SATURNO (MITO)

Saturno es el hijo menor de Coelus (el Cielo) y de la antigua Tellus (la Tierra). Tras derrocar a su padre, Saturno obtuvo de su hermano mayor Titán el favor de reinar en su lugar. Titán puso una condición: que Saturno debía matar a toda su descendencia, para que la sucesión del trono se reservase a sus propios hijos.

Saturno se casó con Ops (Rea), con quien tuvo varios hijos que devoró ávidamente, como había convenido con su hermano. Sabiendo además que un día sería a su vez destronado por uno de sus hijos, exigía a su esposa que le diese a los recién nacidos. Sin embargo, Ops logró salvar a Júpiter. Éste, una vez adulto, hizo la guerra a su padre, derrotándole y expulsándole del cielo. Así la dinastía de Saturno perduró en detrimento de la de Titán.

Se dice que Saturno quedó reducido a la condición de simple mortal, yendo a refugiarse al Lacio, donde puso orden entre los hombres salvajes y les dio leyes.

Saturno devorando a un hijo (1819-1823), por Goya.

Tamaño 1,46 x 0,83. Museo del Prado de Madrid.

Hacia 1819 Goya empezó a decorar las paredes principales de la casa, conocida después como la "Quinta del Sordo", con las pinturas murales que reciben el nombre de "pinturas negras", tanto por su gama de color, reducida casi al blanco, al negro y determinados tonos castaños o dorados verdosos, como por su negra significación de pesimismo sombrío.

Este cuadro es una pintura al óleo sobre un lienzo de pequeño formato. Con expresión terrible, Goya nos sitúa ante el horror caníbal de las fauces abiertas, los ojos en blanco, el gigante avejentado y la masa informe del cuerpo sanguinolento de su hijo. Esta pintura pertenece a la serie de "Pinturas negras".

La luz es una característica muy importante ya que enfoca directamente a la cara de Saturno y al cuerpo de su hijo. Es una luz ciega que deja oscurecido el fondo dando así una sensación de tenebrismo.

Apreciamos un movimiento violento tanto en la postura que adopta Saturno, como en su boca. Su rostro refleja una expresión de drama y tenebrismo. Predomina el color sobre el dibujo y destacan las tonalidades oscuras que contrasta con la claridad del cuerpo de la víctima.



"Saturno devorando a su hijo", de Peter Paul Rubens (1636).


Sánchez Cantón comparó el cuadro que pintó Rubens en 1636 (Saturno devorando a su hijo) con el de Goya. Señalando en su estudio cómo la violencia del de Goya es muy superior.



Espero que os haya gustado, y que con ello vayaís a curiosear por el Museo del Prado haber otras magníficas obras.

Un saludito para Laura por dejarme comentar en su blog.


"Saturno devorando a su hijo" pertenece a la pintura pre-expresionista, que es un estilo propio de Goya que más tarde inició el camino artístico del expresionismo, que es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva.

martes, 25 de octubre de 2011

LEONARDO DA VINCI: LA GIOCONDA




Quizás lo que más llama la atencion de la Gioconda es su enigmática mirada y su no menos misteriosa y atractiva sonrisa. Para conseguir esta mirada y esta sonrisa tan atípicas, reflejo del estado de ánimo de la dama restratada, Leonardo pintó con delicadeza y paciencia sobre un delgado y frágil soporte de madera de álamo. Primero dibujó a la mujer directamente sobre el cuadro y después la pintó al óleo con los colores no muy llamativos para poder poner innumerables capas trasparentes.
El paisaje del fondo, con sus dos partes imposibles de enlazar, contribuye a acentuar la sonrisa de la mujer, tirando a partir de la comisura de sus labios. Leonardo difuminó, sobre todo, los ojos y los labios, auqnue también empleó el sfumato, técnica con la que consiguió acentuar el cabello de la dama y recrear los efectos más sútiles de la luz sobre la piel y el paisaje, especialmente en los rizos que caen sobre el hombro de la mujer y se fundn con las rocas y con los pliegues del chal.
El artista consigue que nada parezca inmóvil ni rígido, de manera que incluso las formas del paisaje parece fundirse unas con otras. La Gioconda no está pintada desde fuera, sino que, como ocurre con el paisaje del fondo, está concebida desde dentro. El punto donde se diriguen todas las miradas es la cara de la mujer y sus manos, bellamente modeladas y entrelazadas.
Para acentuar su aire de misterio, Leonardo utilizó un recurso que sólo un gran pintor podría haber empleado con éxito: los dos lados del cuadro no coinciden exactamente, ni en la cara ni en el paisaje fantástico del fondo.
Así la línea izquierda del horizonte parece más alta que la derecha, de forma que, cuando el espectador mira el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece mas alta y su expresión diferente que si se observa la parte derecha. El resultado es que la dama se presenta como un ser vivo que cambia continuamente antes los ojos de sus admiradores.

Sobre esta gran obra, se ha comentado todo tipo de críticas y comentarios, desde que es el ideal de belleza del autor hasta que representa un adolescente vestido de mujer o una amante del propio pintor, Leonardo Da Vinci.

Este es uno de los cuadros que me gustaria ir a visitar al Museo del Louvre, cuando, algún día, viaje a París (Francia).
Espero haberos despertado un poco de interés sobre este gran artista y sobre esta hermosa obra.

¡Espero que os haya gustado!

 Laura



¿¿ANGEL O DEMONIO??

--EL ANGEL CAIDO--



En el famoso Retiro de Madrid, nos encontramos con la impactante figura del Ángel Caído, pocas de las estatuas dedicadas a Lucifer, quizás por tratarse uno de los personajes míticos más polémicos en el mundo religioso. A pesar de ello, es una de las estatuas que considero una gran belleza, lo cual no deja indiferente a nadie.

Como podemos apreciar en la imagen, esta hermosa figura se apoya sobre un tronco de madera con ayuda de uno de sus pies sobre una roca, que a su vez, se ve envuelta por serpientes, representando la desesperación y la aflicción, que  tras haber sido juzcado por Dios, es arrastrado del paraíso a la tierra por desobedecer y desafiar a dicho Dios. 

viernes, 14 de octubre de 2011

¿¿SE NACE O SE HACE??

¡¡¡¡HA NACIDO UNA ARTISTA!!!!!

Para mi siguiente entrada se lo voy a dedicar a una de mis amigitas que conozco desde el cole, quien posee  un don muy especial y a la que admiro cada día más:


¡¡ IRENE DOMÍNGUEZ !!

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Y os preguntaréis...¿Y qué tiene que ver con el Blog?


“Indigná”,
Blanca Balcells.
Her blog: Ser ininterrumpidamente.Muy simple, está hecha toda una artista, tanto para la fotografía como para la pintura. Con una simple cámara o lapicero es capaz de captar el lado más humano de las personas, así como atrapar los  momentos más impactantes que tracurren a dario, que, a veces, no apreciamos por el hecho de darle mera importancia.


Road to perdition.Con este don que posee, además, encontramos  imágenes muy creativas, atípicas y, a su vez, curiosas. Unas imágenes que consiguen llevarnos a mundos muy diferentes que, a pesar de estar captadas en lugares que, quizás, podemos llegar a conocer o no, ella les saca partido y capta el lado más bello y característico de dicho lugar. De esta manera, consigue despertarnos una serie de sentimientos que nos arrastran hacia la curiosidad y a  la incertidumbre, invitándonos a adentrarnos en ese "mundillo" visto desde otra perspectiva más artística.

Con tan solo 20 años, está consiguiendo trasmitir belleza, conocimiento y, lo más importante, arte.

La considero alguien especial, alguien que con tan solo captar una pequeña fotografia es capaz de apartarnos de la realidad para permanecer, en un breve espacio de tiempo, adentrados en un sueño del que nunca deseas despertar...



 Espero que os haya gustado, como a mi me ha encantado dedicarle esta pequeña entrada y si os he despertado esa  vena artística gracias a esta pequeña artista, aqui os dejo un enlace donde podréis encontrar sus grandes habilidades con una simple cámara.

¿Porque...uno nace con un don o, simplemente, se forma?


¡¡ Gracias Irene !!

¡¡ Espero que te haya gustado!!

Un saludo.

Laura.



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martes, 4 de octubre de 2011

EL NACIMIENTO DEL ARTE


--EL NACIMIENTO DE VENUS--


Para mi segunda entrada, he visto conveniente adaptar uno de los cuadros mas bellos del siglo XV del gran Botticelli: "El nacimiento de Venus", con la que trato de daros una cálida bienvenida y pretendo haceros reflexionar sobre los distintos aspectos que puede proporcionar esta gran obra y, a su vez, despertar los pequeños secretos que el maestro Botticelli pretendía guardar en el momento de crear su obra.

¿Qué podemos ver?¿Qué nos puede llegar a trasmitir?

Cuenta la leyenda, Venus, la diosa del amor, que su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y luego arrojados al mar.

Botticelli nos muestra  el momento de la llegada de la diosa, instante en el que Venus emerge del mar con una delicada desnudez, sobre una concha, la cual flota en un mar verdoso.
Sus largos, delicados y dorados cabellos cubren gran parte de su cuerpo, y, si observamos, con su brazo derecho, trata de manera delicada e inocentemente de taparse sus pechos.


A la izquierda, podemos obervar a una pareja fuertemente abrazada, ellos son el dios del viento, Céfiro, y la diosa de la brisa, Aura. Ambos tratan de arrastrar o impulsar a la diosa del amor hacia la orilla. Estos personajes simbolizan la unión de la materia y el espíritu. Si nos fiajmos más atentamente, a su alrededor, caen rosas, las cuales se convertirán en seres.



 A orillas del mar, en la zona terrestre, se encuentra una de las diosas de las estaciones, concretamente La Primavera, pues lleva un traje floreado. Esta diosa está a  la espera de Venus ofreciéndole una capa con motivos florales para cobijarla en el momento de sullegada a la orilla. La forma de vestir de la primavera nos da pistas de su identidad pues lleva un cinturón de rosas rodea la cintura de la hora y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, el cual es el símbolo del amor eterno, su traje blanco bordado  representa a la primavera, conocida como la estación del renacer.





sábado, 24 de septiembre de 2011

<<--WELCOME TO MY PLACE-->>



¡¡Hola a todos!! Os doy la bienvenida a mi "mundillo". Soy Laura, otra adicta más a las nuevas tecnologías y al mundo de la informática.

No puedo decir que sea mi primer Blog pero puedo afirmar que va ser el primero en el que podré escribir sobre una de mis mayores debilidades: El Arte, el cual me ayuda a perderme en el tiempo y a olvidarme de ciertas preocupaciones que me surgen a lo largo de mi vida.
Mi objetivo no es daros una lección de lo qué es el Arte o daros una clase de Bellas Artes o Historia, sino es a aportaros información, ayudaros a experimentar y a descubrir cada uno de los secretos que posee dicho Arte y a demostraros que todas las vivencias, experiencias e ilusiones no solo se encuentran en nuestra vida diaria, sino también en distintos mundos con los que nos podemos sentir identificados a través de una sola imagen creada mediante un pincel o una cámara.

O… ¿no me vais a reconocer, por muy poco que os interese esta materia, en algún momento (ya sea en la calle, en vuestra casa o en el trabajo), os habéis parado ante una imagen, un cuadro o una fotografía que os haya llamado la atención y, seguidamente, según el estado de ánimo en el que os encontréis o un momento de vuestra vida que os haya marcado, os hayáis sentido identificados, o, simplemente, os haya ayudado a avivar algún recuerdo enterrado?

Quizás consiga despertaros ese alma artístico que llevamos dentro o ayudaros simplemente a entreteneros en unos pocos minutos, por ello, estaré encantada de aportaros tanto información como buenos momentos que, quizás, os pueda ayudar a lo largo de mi entradas.



Espero que os guste y disfrutéis de él como yo lo haré escribiendo.